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CULTURA ITALIANA NEL MONDO - AUSTRIA - ALL'ALBERTINA MUSEUM DI VIENNA "LEONARDO-DURER...GRANDI MAESTRI DEL RINASCIMENTO" LA PRIMA GRANDE MOSTRA SUL DISEGNO.
(2025-04-15)
Il Museo ALBERTINA dedica la sua mostra della primavera 2025 ai più importanti maestri dell'arte del disegno. "Leonardo - Dürer. Disegni su fondo colorato di grandi maestri del Rinascimento" la prima mostra museale completa al mondo in questo campo: la presentazione più completa di Leonardo nell'area di lingua tedesca fino ad oggi. Dal punto di vista storico-artistico, la mostra è anche una prima assoluta: il tema viene affrontato in modo pionieristico in diverse regioni tra l'Italia e il Nord.
"Con questa mostra, ha dichiarato il nuovo Direttore Generale, Ralph Gleis, poniamo l'attenzione sulla magnifica collezione di grafica del Museo ALBERTINA e sulla sua tradizione, quindi ha un carattere programmatico. Il Rinascimento fu un periodo di nuovi inizi, anche nell'arte del disegno.
La mostra - in corso fino al 9 giugno - mette in luce lo sviluppo della tecnica del disegno a chiaroscuro su carta colorata, un'arte che raggiunse il suo apice con Leonardo a sud e che Dürer portò alla massima perfezione a nord delle Alpi con opere iconiche come le Mani in preghiera. Durante il Rinascimento, gli artisti concepirono l'idea di prepa- rare la carta con un fondo o di utilizzare carta già tinta per lavorare con virtuosismo sia nelle aree scure che in quelle chiare. Ciò aprì possibilità scultoree ed esperienze estetiche completamente nuove per gli artisti e il loro pubblico, come mostriamo in questa straordinaria raccolta di quasi 150 opere"
La mostra offre un'opportunità unica per scoprire questa tecnica virtuosa attraverso opere di altissima qualità provenienti dalla collezione del museo e da importanti prestiti internazionali provenienti dalla Royal Collection Trust del Castello di Windsor, dal Louvre, dal Metropolitan Museum di New York, dagli Uffizi di Firenze,dal Kupferstichkabinett di Berlino,dal British Museum e da numerose altre collezioni internazionali.
Per la prima volta, gli sviluppi in Italia e nel Nord vengono visti in un contesto reciproco: mentre in Italia i disegni su carta colorata svolgevano il loro ruolo più come schizzi e studi nel processo creativo artistico, a nord delle Alpi erano apprezzati come opere d'arte indipendenti in miniatura.
Soprattutto nei paesi di lingua tedesca, i disegni su carta colorata venivano utilizzati per raffigurazioni dettagliate di temi religiosi o mitologici. "In Italia, la tecnica del chiaroscuro è stata utilizzata fin dall'inizio del XIV secolo: gli artisti utilizzavano principalmente disegni preparati a colori per gli studi di figura e li utilizzavano per preparare i loro dipinti. La mostra presenta cronologicamente lo sviluppo del disegno a fondo colorato, esamina l'uso di disegni a fondo colorato da parte dei singoli artisti e individua anche riferimenti alla stampa d'arte dell'epoca", afferma il curatore Achim Gnann.
Sebbene il disegno a chiaroscuro avesse un posto fisso nel processo creativo in Italia, nel mondo di lingua tedesca fu preferito a partire dalla metà del XV secolo per delicate raffigurazioni paesaggistiche: "A diffe-
renza dell'Italia, prima di Dürer questi non erano mai disegni di progetto, ma preziosi pezzi da esposizione e oggetti da collezione. Esempi eccellenti sono le furiose raffigurazioni del pensiero cristiano e pagano di Albrecht Altdorfer o i famosi Lenzuola delle Streghe di Hans Baldung Grien. I numerosi soggetti tratti da storia, mitologia, religione e credenze popolari dimostrano da soli che gli artisti stavano prendendo di mira i desideri di una nuova clientela colta", afferma il curatore Christof Metzger.
Per la prima volta, 26 disegni di Albrecht Dürer incontrano altrettante opere di Leonardo da Vinci in questa mostra. Oltre alle opere di Leonardo e Dürer, la mostra presenta opere di altissima qualità di Raffaello, Tiziano, Albrecht Altdorfer, Hans Baldung Grien, Hans Holbein il Vecchio e altri straordinari maestri del Rinascimento. Il punto di partenza per questa ampia esposizione è la collezione del museo: circa due terzi dei capolavori esposti provengono dal Museo Albertina.
Disegni di maestri come gli Apostoli di Leonardo o le Mani in preghiera di Dürer hanno aperto la strada al riconoscimento del disegno come genere artistico alla pari della pittura e sono ancora oggi tra le opere più famose del Rinascimento e i pezzi forti della collezione di grafica del Museo Albertina.
Leonardo da Vinci (1452–1519) e Albrecht Dürer (1471–1528), i due geniali innovatori della pittura rinascimentale a sud e a nord delle Alpi. Leonardo utilizzava spesso carta preparata con fondi colorati per i suoi studi, e Dürer amava analogamente disegnare i suoi motivi su fondi blu o blu-verdi. In questi casi, il colore di fondo funge da tono centrale da cui si può procedere verso i chiari e gli scuri, consentendo la realizzazione di ricche sfumature tonali con luci e ombreggiature attraverso l'uso di una punta metallica, una penna d'oca, un pennello o dei gessetti.
La tecnica di preparare carta e pergamena con un impasto sottile di polvere d'osso, colla o acqua di gomma con pigmenti in polvere mescolati era impiegata in Italia all'inizio del 1300, con le prime indicazioni del suo utilizzo nelle regioni settentrionali che compaiono intorno al 1380. E in effetti, la punta d'argento e il disegno con altre punte metalliche richiedevano tale preparazione del medium con una base, poiché i tratti così realizzati non sarebbero stati visibili su una superficie di carta nuda. Oltre alle carte preparate con fondi di vari colori, gli artisti utilizzavano anche carte virate come parte della loro produzione, tra cui la carta azzurra, la prima ad apparire. Nella terminologia italiana dell'epoca, i disegni su fondo colorato erano chiamati chiaroscuri. Questo termine, tuttavia, comprende anche raffigurazioni monocrome realizzate esclusivamente con gradienti più chiari e più scuri, motivo per cui la presente mostra include anche alcuni studi di drappeggio in toni di grigio attribuiti a Leonardo. Chiamati anche chiaroscuri, erano xilografie stampate utilizzando uno o più blocchi di tono complementari, il cui intento originale era quello di imitare l'aspetto dei disegni su fondi colorati.
Questa mostra, che presenta alcuni dei più bei disegni su fondi colorati di Leonardo, Dürer e numerosi altri artisti, offre l'opportunità di seguire lo sviluppo di questa affascinante tecnica fino alla conclusione del Rinascimento.
Il disegno su fondo colorato fu descritto per la prima volta da Cennino Cennini (ca. 1370–prima del 1427) nel suo Libro dell'arte, un trattato sulla pratica artistica. Lì, egli caratterizza questa tecnica come la "porta" (porta) verso la pittura. Il disegno ad alto contrasto su fondo colorato, sostiene, è particolarmente adatto allo studio dell'impressione di tridimensionalità (rilievo) e degli effetti di luce e ombra (chiaroscuro). Afferma inoltre che il disegno con la tecnica del chiaroscuro insegna agli artisti emergenti l'uso del colore proprio a causa della sua tavolozza limitata. Richiede al pittore di ridurre tutto ciò che può essere rappresentato a contrasti di luce che comportano pochissime gradazioni tonali – dal tono medio della carta verso toni più scuri e più chiari – al fine di ottenere l'effetto tridimensionale desiderato. È per questo che, in Italia, le opere in chiaroscuro su carta venivano utilizzate quasi esclusivamente nella preparazione dei dipinti.
A nord delle Alpi, tuttavia, la tecnica del chiaroscuro sembra essere stata impiegata piuttosto raramente come mero mezzo per raggiungere un fine nella creazione di un'immagine dipinta. Si preferiva piuttosto opere visivamente complete, create come miniature per un nascente mercato collezionistico.
Studi di drappeggio in chiaroscuro
Questi disegni appartengono a un gruppo di studi di drappeggio realizzati con una tecnica insolita, con pennello e tempera su tela preparata in grigio. Le pieghe del tessuto sono modellate utilizzando toni di grigio sottilmente modulati, accentuati dal bianco, per produrre contrasti di chiaroscuro che enfatizzano il modo artistico in cui è drappeggiato.
L'architetto, pittore e biografo d'arte Giorgio Vasari scrisse nella sua biografia di Leonardo che l'artista spesso realizzava "modelli di figure in terra, le quali ricopriva con tela di lino morbida e consunta, intinta nella terra, e poi si metteva a disegnarle con gran pazienza, in una certa sorte di tela di Reims finissima, o tela preparata; e le condusse di bianco e nero con la punta di pennello, con maraviglia, come ne fanno ancora testimonianza alcune che ho nel nostro libro di disegni".
Gli studi attribuiti a Leonardo qui esposti presentano tuttavia incongruenze stilistiche, e opere come il disegno preparatorio di Domenico Ghirlandaio per il suo affresco sul soffitto di Matteo Evangelista nella Cappella di Santa Fina a San Gimignano dimostrano come anche altri artisti di questo periodo eseguissero studi chiaroscurali su tela.
I disegni di Leonardo su fondi colorati a Firenze e Milano
Negli anni Settanta del Quattrocento, durante il suo primo periodo fiorentino, Leonardo scelse fondi vistosamente vari in tonalità luminose di rosso, arancione, viola chiaro, rosa e crema per le sue opere su carta. In tutte, utilizzava una punta metallica le cui linee a volte ridisegnava con penna e inchiostro per conferire ai motivi maggiore dettaglio e precisione.
Dopo il suo trasferimento a Milano intorno al 1482, sviluppò una predilezione mai vista prima per l'uso di carta preparata in blu, come si può vedere nei suoi studi di cavalli per il mai realizzato monumento equestre in bronzo che il reggente di Milano Ludovico Sforza aveva commissionato in onore del padre Francesco. In questi studi, Leonardo riuscì meravigliosamente a catturare i dettagli anatomici con una punta metallica e a usare il fondo blu per rendere visibili il tono scuro e la durezza del materiale bronzeo, nonché l'integrazione delle sue figure equine in uno spazio saturo di aria e atmosfera. Lo studio per un apostolo nella sua celebre Ultima Cena è una delle ultime opere di Leonardo su carta preparata in blu e anche una delle ultime eseguite con la tecnica della punta metallica.
Riccamente in scena – Chiaroscuro a nord delle Alpi
Quasi tutti gli artisti dell'area di lingua tedesca e dei Paesi Bassi utilizzavano la tecnica del chiaroscuro non per studiare i dettagli, ma principalmente per disegni che rappresentassero composizioni pittoriche complete. Grazie alla sua elevata qualità estetica, questo processo è particolarmente adatto a conferire alle opere su carta questo status speciale. Molti elementi indicano che effettivamente raggiunsero un pubblico al di fuori delle botteghe artistiche, il che significa che i disegni in chiaroscuro arrivarono a soddisfare la crescente domanda di opere d'arte di pregio da parte del pubblico tardo medievale. Un modo per raggiungere questo obiettivo fu la produzione in serie di stampe grafiche.
E per i clienti più esigenti, sul mercato arrivarono anche disegni singoli. Si trattava per lo più di delicate raffigurazioni paesaggistiche di piccolo formato, pittoricamente complete, come la Passione Verde di Dürer. Monogrammi accuratamente posizionati, date inserite in modo evidente, iscrizioni dedicatorie, linee di incorniciatura disegnate e la copia di composizioni o addirittura la loro riproduzione in edizioni rigorosamente limitate erano tutti aspetti che, a partire dalla metà del XV secolo, servivano a distinguere i preziosi oggetti da esposizione dalla massa di materiale di bottega prodotto piuttosto frettolosamente.
Studi di modelli e teste fiorentini su carta colorata
Dalla seconda metà del XV secolo si sono conservati diversi studi di teste realizzati da artisti fiorentini a punta metallica su carta preparata con fondi colorati. Mentre Filippino Lippi scelse uno sfondo grigio-blu per questa raffigurazione di un ragazzo, presumibilmente realizzata in preparazione di un dipinto, Raffaellino del Garbo e Lorenzo di Credi scelsero rispettivamente sfondi in tonalità gialle e rosa pallido per i loro disegni. In questi ritratti delicatamente modellati, l'accentuazione gioca un ruolo speciale nella definizione delle varie forme. Fa anche sembrare le superfici brillanti, conferendo luminosità ai volti.
Particolarmente diffusi erano gli studi di modelli in cui gli artisti disegnavano figure vestite o nude in posizione eretta, seduta o inginocchiata, singolarmente o raggruppate l'una accanto all'altra. I gruppi a volte sono costituiti da figure identiche impegnate in movimenti diversi, sebbene le figure appaiano altrettanto spesso indipendenti. Sebbene tali disegni fossero solitamente realizzati utilizzando modelli dal vivo, Domenico Ghirlandaio usò un manichino nel suo studio per le vesti drappeggiate della Madre di Dio, come accadeva spesso anche nell'opera di Fra Bartolomeo.
Il blu intenso della laguna: Dürer e Venezia
Fu nel 1506, durante il suo soggiorno a Venezia, che Dürer conobbe la pratica italiana di lavorare su carte virate in fase di produzione. Particolarmente popolare, sebbene non di alta qualità, era la carta azzurra, un blu intenso. Dürer acquisì familiarità anche con i disegni utilizzati da artisti come Giovanni Bellini e Vittore Carpaccio per elaborare i dettagli pittorici durante il processo di pittura. Furono probabilmente le sue interazioni amichevoli durante il soggiorno veneziano, in particolare con Bellini, a ispirarlo ad ampliare il suo uso della tecnica del chiaroscuro per includere tali ambiti di applicazione.
Il lavoro di Dürer sui suoi dipinti veneziani fu da allora in poi accompagnato da disegni su carta azzurra. Offrirono all'artista l'opportunità di sperimentare diverse soluzioni in termini di effetti pittorici e di caratterizzazione di superfici, forme e strutture di ogni tipo. Come studi preliminari immediati per la realizzazione di dipinti, questi disegni non saranno stati di alcuna utilità, soprattutto a causa dell'estrema precisione dei dettagli. Tuttavia, come parte dell'archivio della sua bottega, fornirono a Dürer opere di osservazione analitica e di riproduzione estremamente precise, facilmente accessibili, che testimoniavano la sua arte.
"A mezzi colori" – Dürer e il chiaroscuro
Dallo stesso Albrecht Dürer apprendiamo che realizzò disegni preparatori "a mezzi colori" durante il suo soggiorno nei Paesi Bassi nel 1520-21. Con ciò, possiamo supporre che intendesse disegni in chiaroscuro. Questa tecnica lo accompagnò per gran parte della sua vita artistica. Inoltre, i suoi molteplici incontri con l'arte italiana lo spinsero a portare con sé oltre le Alpi la pratica italiana di realizzare elaborati studi individuali. Per la Pala d'altare Heller, completata nel 1509, sono rimasti quasi 20 disegni di tessuti drappeggiati, mani e teste di questo tipo. In termini di tecnica e stile, questi si ispirano agli studi su carta azzurra realizzati dall'artista a Venezia, con la differenza che Dürer preparava la carta con molta cura con i suoi fondi blu o verdi. Le superfici estremamente fini che ne risultavano gli permettevano di lavorare con estrema delicatezza e in modo molto più sottile rispetto alla ruvida carta azzurra veneziana.
Senza ricorrere a un disegno preliminare, l'artista ne tratteggiava i contorni esterni con pennellate estremamente sottili. Poi accentuava le aree in ombra con sottilissime pennellate di inchiostro diluito, prima di utilizzare pennellate finissime in grigio scuro e bianco per elaborare ogni dettaglio, per quanto minuscolo.
Estremi di luce e oscurità: la cucina delle streghe di Hans Baldung Grien
Alla prima modernità, era diffusa la convinzione che sia le donne che gli uomini, ispirati alla violenza dal Diavolo, operassero il male come membri di società segrete. I dipinti di streghe di Hans Baldung Grien e i ritratti a tema simile le mostrano nel pieno delle loro azioni vili. Per dare corpo alla sua carta, l'artista sceglieva spesso una tonalità rosso-marrone che contrastava fortemente con i suoi disegni in bianco e nero e contribuiva a portare all'estremo il furore, la violenza e l'energia delle sue scene. Tutta la luce è visualizzata con tratteggi in sottilissime ciocche le cui vibrazioni nervose si diffondono sulle superfici illuminate. È solo nella combinazione di chiaroscuro che emergono dettagli, struttura, spazio e plasticità. Anche durante il processo di disegno, l'artista doveva procedere in modo calcolato e con un'idea precisa del risultato finale. Sezionava in anticipo l'immagine desiderata in chiaroscuro nella sua immaginazione, perché aggiungere semplicemente il bianco a un disegno iniziato in nero non produce un risultato soddisfacente e distingue i maestri di questa disciplina da coloro che hanno poca abilità.
Leonardo e il nuovo ideale corporeo dell'Alto Rinascimento
Il ritorno di Leonardo a Firenze intorno al 1500 inaugurò una nuova fase dell'arte dell'Alto Rinascimento, le cui radici affondavano nelle opere precedenti del maestro e il cui sviluppo coinvolse anche artisti come Michelangelo e Raffaello. Da questo momento in poi, le figure umane di Leonardo assunsero un carattere monumentale, evidente sia nella loro plasticità che nella potenza e nella sicurezza delle loro pose. Sono in particolare i disegni di nudo a rivelare questo nuovo ideale figurativo eroico, a cui Leonardo arrivò anche grazie a un intenso studio anatomico. Poco prima della sua morte, l'artista dichiarò di aver sezionato trenta cadaveri umani. Aveva in mente di scrivere un trattato di anatomia, essendo il suo interesse rivolto alla forma e alla struttura del corpo umano, alla sua formazione, allo sviluppo e alle proporzioni, nonché alle funzioni dei suoi organi. Legato a questo interesse scientifico vi era anche quello artistico, poiché Leonardo cercò di utilizzare i suoi studi anatomici per perfezionare la rappresentazione del corpo e dei suoi movimenti, nonché delle motivazioni ed emozioni umane nella pittura. A sanguigna su fondo rosso
Leonardo, grazie alla natura multiforme dei suoi interessi artistici e scientifici intrecciati, rappresenta la realizzazione dell'ideale rinascimentale del genio universale. Le sue esplorazioni scientifiche lo portarono a scoperte pionieristiche e lo dobbiamo anche a numerose innovazioni nel campo della pittura e del disegno. Leonardo fu probabilmente il primo a disegnare a sanguigna su carta preparata con una base rossa. Le linee risultanti si uniscono armoniosamente alla tonalità rossastra anziché contrastare con il bianco sottostante. Negli studi di nudo, questa base rossa costituiva più o meno la sostanza materica da cui Leonardo separava poi i corpi passo dopo passo, e lo aiutava anche a rappresentare le tonalità dell'incarnato. In altre opere su carta, usò la sanguigna in combinazione con la gessetta nera, penna e inchiostro, lumeggiature bianche e lavature per effetti pittorici di grande impatto. La tecnica del rosso su rosso non solo ebbe un'influenza duratura sugli artisti della cerchia di Leonardo come Cesare da Sesto, ma ispirò anche altri pittori come Francesco Primaticcio e Giovanni Ambrogio Figino.
isegni in chiaroscuro nei Paesi Bassi
Nei Paesi Bassi, i disegni in chiaroscuro occupavano una posizione intermedia tra la produzione italiana e quella tedesca. Sebbene tali disegni servissero a preparare e presentare opere in corso d'opera, opere pittoricamente complete, caratterizzate da soggetti accattivanti, furono create anche per soddisfare un fiorente mercato collezionistico che iniziò a svilupparsi all'inizio del XVI secolo, soprattutto nel centro commerciale e artistico di Anversa. Hugo van der Goes, probabilmente ispirato da esempi italiani, fu uno dei primi maestri olandesi a scoprire nuove possibilità espressive nella tecnica del chiaroscuro. Oltre a consentire agli artisti di modellare soggetti pittorici in modo altamente scultoreo, essa forniva anche informazioni più precise sugli effetti di luce e ombra. Quest'ultimo aspetto spiega perché i disegni in chiaroscuro olandesi fossero prodotti con particolare frequenza come cartoni per vetrate. Sotto l'influenza delle opere degli artisti tedeschi, e in particolare di Anversa, la tecnica del chiaroscuro conobbe un periodo di massimo splendore tra il 1520 e il 1535.
Augusta da vicino e personale – Ritratti su sfondo colorato
È pervenuto un gran numero di disegni di ritratti realizzati a punta d'argento e con altre tecniche su uno sfondo dai toni tenui da Hans Holbein il Vecchio. Alcuni dei loro soggetti riappaiono nei dipinti come figure secondarie, mentre altri servirono come studi preliminari per ritratti dipinti. Per le due opere qui esposte, tuttavia, non si conosce alcun ulteriore utilizzo. Holbein realizzò ritratti di personaggi della vita sacra e profana, appartenenti a quasi tutti gli strati sociali: da semplici artigiani a maestri di corporazione e colleghi artisti, fino all'élite politica della sua città natale, con una rete di contatti internazionali. E Augusta, all'epoca, era un centro di ritrattistica per eccellenza. Disegni, dipinti e medaglie sono i media che ci fanno conoscere il mondo di quell'epoca. Di particolare rilievo erano i ritratti a stampa, che – ad Augusta – erano una specialità di Hans Burgkmair il Vecchio. La realizzazione tecnica di opere come la xilografia fu curata dall'artista olandese Jost de Negker, considerato un grande talento nella produzione di blocchi di legno per la stampa. Con questo ritratto a stampa multicolore del patrizio Hans Paumgartner, realizzato in chiaroscuro, il duo di artisti ha toccato i confini sia del disegno su fondo colorato che della pittura.
Albrecht Altdorfer e la calligrafia della linea bianca
Tra i grandi virtuosi della tecnica del chiaroscuro c'era Albrecht Altdorfer. Prediligeva fondi dai colori caldi, sebbene occasionalmente scegliesse anche un blu più freddo. La principale preoccupazione estetica di Altdorfer era la realizzazione artisticamente calligrafica di quelle linee bianche che spesso dominano le sue immagini in modo così brillante che gli elementi e i fondi disegnati in modo più scuro scompaiono completamente.
In un modo molto simile alla scrittura, Altdorfer guidava la sua mano da disegno come per dimostrare la sua padronanza dei gesti e delle linee più complessi, proprio come farebbe un maestro che trascrive il suo abile uso di vari tipi di scrittura. In questo modo rendeva visibile il disegno come un processo. Artisti come Dürer e Baldung puntavano a texture di linee altamente disciplinate con la precisione delle incisioni su lastra di rame e usavano il bianco per modellare i corpi, drammatizzare l'illuminazione e chiarire gli aspetti spaziali.
La calligrafia di Altdorfer, d'altra parte, produce caos, sfocatura e movimento spontaneo, rivelandolo come un vero acrobata della penna d'oca e del pennello. Nelle sue opere la linea bianca definisce le forme ma si emancipa anche dalla luce, spesso sembrando sospesa sopra lo sfondo colorato e il disegno nero come una tenda, rimanendo trasparente e virtualmente immateriale.
Maestri dell'Alto Rinascimento a Roma, Firenze e Venezia
Tra i grandi maestri dell'Alto Rinascimento a Firenze, oltre a Leonardo e Michelangelo, figura anche Fra Bartolomeo, che utilizzò carta preparata a sanguigna nel suo disegno preliminare per la Donazione della Cintola della Madonna, proprio come avevano fatto Pisanello e Lorenzo Monaco in opere precedenti esposte all'inizio di questa mostra. Raffaello, per il suo studio di modello per le figure raggruppate attorno a Pitagora nella Scuola di Atene, scelse una carta preparata in grigio, proprio come generalmente preferiva la carta preparata in grigio opaco, grigio-verde, rosa e crema per i disegni a punta metallica durante il suo periodo romano.
La sua bottega utilizzava carte preparate in ogni sorta di colore, come si vede nel disegno a chiaroscuro di Giulio Romano su fondo marrone tratto da un disegno preliminare di Raffaello per la Trasfigurazione. Tommaso Vincidor, in un disegno per la sua serie di arazzi con putti giocosi, utilizzò carta grezza virata in marrone come parte della sua produzione. E le meravigliose opere di Giovanni da Udine, Sebastiano del Piombo e Tiziano, tutti originari della Repubblica di Venezia, utilizzano la carta prodotta in blu, la carta azzurra, che era particolarmente popolare nella città sulla laguna.
Tiziano – Raffaello – Parmigianino e l'invenzione del chiaroscuro in Italia
Nel 1516, il pittore e xilografo Ugo da Carpi presentò una petizione al Senato veneziano per ottenere un privilegio – una copyright – sostenendo di aver inventato un nuovo processo di stampa in chiaroscuro.
Sebbene Ugo fosse stato il primo incisore a produrre xilografie a chiaroscuro in Italia, la tecnica era già stata sviluppata da Hans Burgkmair e Jost de Negker ad Augusta e da Lukas Cranach a Wittenberg.
Questo tipo di stampa viene realizzato utilizzando un blocco di linee insieme ad almeno un blocco di tono complementare. Nel primo chiaroscuro di Ugo, raffigurante San Girolamo, le linee richiamano i disegni a penna e inchiostro di Tiziano, che fornì il disegno per questa stampa. I chiaroscuri tratti da disegni di Raffaello che Ugo produsse in seguito a Roma utilizzavano tre o più blocchi di tono, rendendo gradual-mente superfluo il blocco di linee.
Queste raffigurazioni successive sembrano plasmate solo dal colore e dalla luce. A contribuire allo sviluppo di questo stile più pittorico fu il fatto che Ugo non ricevette più disegni a penna e inchiostro puri come modelli, bensì disegni a penna e inchiostro lavati e lumeggiati con bianco. Il capolavoro di Ugo è la raffigurazione di Diogene da un disegno del Parmigianino, con cui collaborò a partire dal 1524. (15/04/2025-ITL/ITNET)
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